A trilha sonora de um filme imaginário: uma análise do filme Blue (1993) de Derek Jarman

O som é um constituinte do filme e estamos acostumados com a relação de complementação entre o som e a imagem.

Como afirma Chion (2003, p. 436):

Durante a fruição de um filme, existe uma mistura dos elementos visuais e sonoros que resultam no filme, num conjunto, sendo muito difícil assistir e discernir, simultaneamente, qual parte é qual, principalmente quando se está tendo um primeiro contato com a obra, de tal forma que, raríssimas vezes, levamos em conta o sonoro especificamente.


O trabalho sonoro de uma obra consiste de composições de atmosferas que gerem determinadas reações no espectador e sentidos diversos através de uma representação de um sentido possível. Pode ser afirmado que a trilha sonora é essencial para a compreensão e desenvolvimento do filme.

No cinema experimental, alguns trabalhos audiovisuais exploraram uma relação diferente entre o som e a imagem. BLUE (1993), de Derek Jarman, é um filme que apresenta uma singular proposta audiovisual cujo resultado final é muito instigante. Nele o diretor propôs um filme tendo como única imagem uma tela completamente azul, desenvolvendo a narrativa apenas por meio da trilha sonora. Assim, o som é dado como único elemento narrativo do filme e é o espectador, em sua subjetividade, que projeta as imagens em sua mente a partir da narrativa sonora. Como isso é possível? Qual é a reação das pessoas diante de apenas uma tela azul com sons, ruídos e narração? Afinal, trata-se realmente de um filme?

O Filme BLUE foi produzido no ano de 1993 tendo como autor, diretor e protagonista o cineasta britânico Derek Jarman (1942- 1994). Trata-se de uma espécie de relato das experiências e reflexões do autor enquanto homossexual e aidético em fase terminal.

Derek Jarman foi um cineasta e artista britânico e ajudou a fundar o cinema independente britânico, unindo artes visuais e película, lançando com isso as bases para a chamada "estética queer" bad [1]. A filmagem que fez sobre o pintor Caravaggio, em 1986, foi um de seus filmes mais populares. O compositor e designer de som Simon Fisher Turner agregou intenso valor e densas camadas sonoras a vários de seus filmes, entre eles: Caravaggio, The Gardian, Edward II e BLUE.  Ativista da causa gay, seus filmes giram em torno de assuntos relacionados a esta temática. Em 1986 o diretor descobriu que era portador do vírus HIV e em 1993, já no estado terminal da doença, quase cego e muito debilitado, realizou o filme BLUE onde mostra a sua batalha contra a AIDS.

Nasceu em 1942, na Inglaterra. Estudou na Universidade de Londres e na Slade School of Arts. Integrante do movimento de vanguarda inglês dos anos 70 e 80, realizou diversos filmes em Super-8, além de escrever poesias e pintar. Em 1976, dirigiu seu primeiro longa-metragem, Sebastiane. Pioneiro na defesa dos direitos homossexuais e na luta contra a AIDS, venceu por 3 vezes o Prêmio Teddy do Festival de Berlim, dedicado a filmes de temática LGBT. Com Caravaggio (1986), ganhou o Urso de Prata em Berlim. Faleceu em 1994, em decorrência da AIDS.

Em um primeiro momento foi feito um estudo geral sobre o filme BLUE e escolhida a cena que seria recortada a fim de propor uma análise da entonação da narrativa e da trilha sonora. Escolhida a cena, foi realizada uma espécie de descrição da ruidagem, da ambiência e de características do som que se mostraram mais significativas, denominada “roteiro do som da cena” (ver Anexo), explorando a partir deste recorte a polissemia da narrativa.          

Jarman teve a coragem de explorar de uma maneira diferente a capacidade das pessoas de sentir sensações. A proposição singular desse filme se dá no aspecto visual, entretanto, tem-se por resultado uma trilha sonora embuída de funções atípicas em relação às produções audiovisuais. Ao longo dos 74 minutos, a única perspectiva visual é uma tela monocromática azul. Tal estaticidade visual confere à trilha sonora toda função narrativa (seja pelos ‘diálogos’ ou pela ruidagem).

Acerca do projeto do filme, Senra (2009) afirma que Jarman tinha como idéia inicial fazer um filme sobre o pintor Yves Klein, entretanto, por problemas orçamentários, Jarman adaptou a idéia para um relato autobiográfico. Apesar de não citar fontes, Senra (2009) faz menção de dados importantes acerca do filme:

O filme teve o financiamento da Arts Council, Channel Four e BBC Radio 3. Foi simultaneamente transmitido na televisão e no rádio. Os ouvintes que não tivessem acesso à televisão foram aconselhados a olhar para um postal azul durante a audição do filme.

Senra (2009) também comenta alguns referenciais acerca da reação do público e da crítica:

As 252 primeiras ligações para a Channel Four depois da transmissão do filme foram de indignação e desapontamento com o filme, dentre as quais 4 telespectadores declararam preferência pelo vermelho e alguns acharam que havia ocorrido um erro na transmissão da emissora. Mas os críticos foram positivos e concordaram que o filme tem questões interessantes para se discutir e é uma experiência visual profundamente prazerosa e contagiosa.

Outra relação que Senra (2009) expõe, tangenciando a hermenêutica fílmica, diz respeito às pinturas monocromáticas de Klein, tentativa de “expressar e evocar um sentimento sublime”. BLUE, então, pode assim ser relacionado ao azul do céu, azul do mar, assim como à tristeza.

O diretor faz uma crítica ao mundo imagético do pós-modernismo, criado pelo capitalismo: “From the bottom of your heart, pray to be released from image”. Desprendendo-se da dependência das imagens, desenvolveu sua idéia de fazer um filme sobre sua própria luta contra a AIDS em seu estado terminal e já cego, representado apenas através de sons e de uma trilha musical que transpõe o seu estado interior.

O cinema como experiência audiovisual é até certo ponto negado por Jarman dentro da concepção do filme, ao projetar o espectador como criador de suas próprias imagens. Como o único elemento visual no decorrer do filme é a tela completamente azul, são os elementos sonoros que dão dinâmica ao filme. Mesmo com essa aparente rejeição dos recursos visuais não se deve subestimar esse aspecto, pois, dentro da proposta de Derek Jarman, seu filme não é para ser escutado e sim para ser visto (caso contrário poderia ser considerado uma espécie de ‘narrativa radialística’, o que realmente não é).

Segundo MACHADO (2005, p.156), BLUE pode ser considerado como um filme virtual cuja tela vazia funcionava como um convite para o espectador projetar suas próprias imagens.

Na verdade, a tela azul acaba sendo fonte de significados diversos e prende o ouvinte a uma escuta diversificada, constantemente ressiginificada a partir dos elementos sonoros. Há uma intensa relação entre a narração, a tela e os outros sons. Logo, nesse filme, a escuta resulta em uma proposta singular, pois é o desdobramento de cada objeto auditivo e de suas variantes que determina a estrutura, os ambientes e o desenvolvimento do roteiro do filme.

A tela azul remete a cegueira experienciada do personagem e denota a idéia de ‘cegueira’ do mundo em relação à condição da personagem, homossexual, soro positivo, que está morrendo por complicações da AIDS. Além disso, a não exposição ao visual, ou melhor, a exposição visual a uma tela azul (de um só tom de azul) leva o espectador a um tipo de escuta diferenciado.

Analisando os diálogos, a música e o Sound Design, foram observados elementos que determinam, em sua totalidade, os ambientes, os estados de espírito e dão sentido à narrativa.

No que diz respeito aos diálogos, o filme não apresenta diálogos propriamente ditos. As narrações em primeira pessoa denotam o discurso mental do protagonista, no caso, o próprio Derek Jarman, enquanto que as outras vozes que aparecem no decorrer do roteiro sinalizam falas de coadjuvantes. Essas falas aparecem algumas vezes como memórias e em outros momentos como elementos que sinalizam o ambiente real que a personagem se encontra, do mesmo modo, também situam elucubrações inconscientes da própria personagem ou comentários dramáticos da trama. A entonação da voz dos atores, um papel fundamental para a dramaticidade em um filme, funciona, neste filme, como fator contribuinte à ambiência e à sinalização das cenas. Vê-se que aqui, a percepção de Barthes, acaba tendo mais propriedade, pois, para ele, a entoação é uma espécie de mediação, através da voz e da gama dos timbres, do ritmo, do investimento pulsional, entre o corpo e o ato de compreensão e interpretação implicado:

A voz é, em relação ao silêncio, o que é a escrita (no sentido gráfico) em relação à folha em branco. A escuta da voz inaugura a relação com o outro, a voz, que nos faz reconhecer os outros, dá-nos a conhecer sua maneira de ser, sua alegria ou sua tristeza, seu estado; transmite uma imagem do corpo do outro e, mais além, toda a psicologia (fala-se de voz fria, voz quente, voz neutra). Por vezes, a voz de um interlocutor encanta-nos mais do que o conteúdo de seu discurso e surpreendemo-nos a escutar as modulações harmônicas dessa voz sem ouvir o que ela nos diz (BARTHES,1992 p.224).

Quanto à música, além de pontuar cenas e seqüências, é colocada em determinados momentos a fim de caracterizar uma reverberação do subconsciente da personagem. Isso pode ser verificado quando a personagem cita uma suposta instrução feita por Buda (em 16’27”) e logo após o término da fala da personagem tem-se a entrada da música walk away from illness que dramatiza e comunica a relação subconsciente da ‘instrução’ de Buda com sua mente.

Em parâmetros técnicos, recursos eletroacústicos são empregados e há preponderância de economia de meios, ou seja, reduzida paleta de materiais composicionais, texturas pouco densas e instrumentação reduzida. O compositor não se restringe a um estilo musical apenas, embora, dentro da perspectiva intimista, não explore um ecletismo tão abrangente.

Em termos de ambiência, pode-se distinguir entre o real e o psicológico, apesar do roteiro estar em primeira pessoa e ser um monólogo interior, dado a nível consciente da personagem. Por real, entende-se os momentos nos quais a ambiência (essa como o som permanente em uma seqüência que localiza e dimensiona o ambiente) situa a personagem no momento presente e no local que de fato essa se encontra (geralmente no hospital). Por psicológico, situam-se as seqüências que estão dimensionadas na psiquê da personagem e que a distanciam do real, do presente vivido. Os ambientes psicológicos são preponderantes no roteiro.

A narrativa da personagem juntamente com os ruídos do ambiente onde ela se encontra nos submete a uma decifração de signos. Estes signos, segundo Barthes (1982) são captados pelo ouvido gerando uma escuta chamada decifração.

A escuta desses signos trás ao receptor o entendimento e a decifração da cena, pois trabalha o inconsciente e o imaginário de maneira que ele possa reconstruir e entender através da escuta, uma vez que não há exposição visual a não ser a tela azul, a narrativa contada.

A ruidagem está relacionada e ao mesmo tempo determina os ambientes dimensionados na subjetividade da narrativa. Subjetividade essa entendida como a tentativa de por meios técnicos translocar o espectador para a mente da personagem. Ao longo da narrativa alguns índices sonoros são estabelecidos a fim de pontuar determinadas situações e cada um deles carrega em si determinada importância e significado.

Uma amostragem de tais índices encontra-se em uma cena (19’51”) na qual o canto de pássaros indica que o personagem ainda se encontra no quarto (ambiente real) mesmo em meio às ambiências mentais ou psicológicas. Outro fator observável se tem no som de sino que permeia todo o filme. Várias seqüências são demarcadas pelo toque do sino, em outros momentos o sino é usado como elemento dramático, incrementando tensão à cena. Relógios, sinos, gongo marcam a passagem do tempo e pontuam a narrativa. Sussurros de pessoas, tornando o ambiente diabólico, são ouvidos quando ele esta no hospital e diz que o inferno na Terra é a sala de espera.

Através da trilha sonora foi explorado o som como significador do imagético em um audiovisual.  Dentro dessa perspectiva, o filme BLUE de Derek Jarman surgiu como oportuno objeto devido à idiossincrática proposta do autor em delimitar a ação do filme à trilha sonora. Vislumbrou-se nisso a não necessidade, na verdade, a não possibilidade de ater-se ao visual.

Como vemos em Deleuze e Guattari (1992, p. 216), é preciso que o artista fixe os “perceptos e os afectos”:

O que se conserva, a coisa ou a obra de arte, é um bloco de sensações, isto é, um composto de perceptos e afectos. [...] a composição, eis a única definição da arte. A composição é estética, e o que não é composto não é uma obra de arte. Não confundiremos, todavia, a composição técnica, trabalho do material que faz freqüentemente intervir a ciência (matemática, física, química, anatomia) e a composição estética, que é o trabalho da sensação. Só este último merece plenamente o nome de composição.

O som da imagem ou a imagem do som? Como podemos afinal definir a intenção de BLUE? Uma obra monocromática que apresenta tudo para os nossos ouvidos e quase nada para os olhos. Um filme sonoro que mostra a despedida de um artista visual limitado pela cegueira e representado apenas por uma banda sonora. Um testamento narrado em diferentes andamentos de acordo com a progressão da doença.

Excluir o conteúdo visual e trocar por uma imagem estática não parece ser uma evolução nem uma extensão no campo cinematográfico. Expor as pessoas a ficar diante de uma tela azul durante 80 minutos pode ser considerado uma forma atraente de se fazer cinema?

Enfim, em uma breve explanação sobre o filme BLUE concluímos que ele pode ser um pouco difícil de ser entendido, muitas vezes cansativo e pesado por não conter imagens e nenhum tipo de ação, mas Jarman conseguiu ao mesmo tempo realizar uma experiência sonora (e visual) diferente e inovadora. Sons e palavras conseguem retratar a agonia de um doente em fase terminal e que só lhe resta tentar achar um sentido para a sua morte. Uma trilha sonora que acaba prendendo a atenção do telespectador e os levando a campos do imaginário nunca antes conseguido.

Anexo: Roteiro do som da cena original

O trecho escolhido para esta análise é profundamente dramático e desesperançoso. O personagem transita entre o mundo real e o mundo psicológico durante toda a cena. Em um primeiro momento a trilha original está dimensiona em um hospital, posteriormente, tem-se a ambientação do quarto da personagem.

Início da cena: Efeito, interferência + estouro como de uma porta batendo e reverberando muito, como em um grande salão vazio.

16’04” In the hospital it is as quiet as a tomb. Ambiência durante toda essa seqüência (passos e ruídos da presença de uma enfermeira fazendo os preparativos para uma injeção)

The nurse fights to find a vein in my right arm. We give up after five attempts. Would you faint if someone stuck a needle into your arm? I've got used to it - but I still shut my eyes.

16’27” Som continuo extraído de  um sino!? 3ª M descendente com de uma campanhia ou um sino.

The Gautama Buddha instructs me to walk away from illness. But he wasn't attached to a drip.

 

16’47” Música  walk away from illness (retardo de 2ªs, em modo frígio) sino (17’57”) e Theremin.

 

18’10” Fate is the strongest (sinos)
Fate   (sinos)        Fated    (sinos)    Fatal  (sinos)       (sussurrado)

 

18’18” (Sino e Vento) I resign myself to Fate 
Blind Fate 
(só vento) The drip stings 
A lump swells up in my arm 
Out comes the drip 
An electric shock sparks up my arm 
How can I walk away with a drip attached to me? Pegadas na areia (18’51”) ambiência de beira-mar.
How am I going to walk away from this?

 

18’54” Pegadas na areia se intensificam (com se alguém passasse por você)

 

19’19” Silêncio.

19’33” (Sino, uma nota, som continuo; mudança de ambiência, mais urbana, trem)

I fill this room with the echo of many voices 
Who passed time here 
Voices unlocked from the blue of the long dried paint

 

19’51” pássaros ( elemento que pontua a realidade)
The sun comes and floods this empty room 
I call it my room, my room, 
My room has welcomed many summers 
Embraced laughter and tears 
Can it fill itself with your laughter

 

20’08” fundo musical, com passarinhos no ambiente.
Each word a sunbeam 
Glancing in the light 
This is the song of My Room

 

20’27” David…Howard…Graham…David…Paul…Terry…Graham…Howard… Terry…
Blue stretches,            yawns             and is awake.

Blue…    Blue…    Blue stretches,      yawns      and is awake

David… Terry…Paul… Howard…Graham… Blue… (fim da cena 21’40”)

 

Bibliografia

BARTHES, Roland. O Óbvio e o Obtuso. Rio de Janeiro: Nova Fronteira, 1982.

BIOGRAFIA do diretor Derek Jarman. In: Rio de Janeiro int’l Film Festival. Disponível em:

. Acesso em: 08 dez. 2009.

CHION, Michel. Une art sonore, le cinèma. Paris: Cahiers du Cinèma, 2003.

DELEUZE, Gilles. Conversações. Tradução de Peter Pál Pelbart. Rio de Janeiro: Editora 34, 1992.

MACHADO, Arlindo. A televisão levada a sério. 4ª Edição. São Paulo: Editora Senac São Paulo, 2005.

MARTÍ, Silas. DVDs e Mix Brasil lembram Derek Jarman, pioneiro do cinema indie britânico. Folha Online, São Paulo, 16 set. 2008. Disponível em: . Acesso em: 10 dez. 2009.

SENRA, Luiza. Análise de Blue. La Salle Noir. Porto, 28 abril 2009. Disponível em: . Acesso em: 08 dez. 2009.

SANTOS, Ricky. “Dessencializando queerness à procura de um corpo (textual) queer exclusivo.” In: SANTOS,R; GARCIA, W.A escrita de Adé:perspectivas teóricas dos estudos gays e lésbic@s no Brasil.São Paulo:NCC/SUNY,2002.

 


bad [1] Uma estética que inventa e oferece outras possibilidades de significar, ser e viver que estão além daquelas oferecidas pelo sistema opressivo e essencialista da heterosexualidade compulsória. (SANTOS, 2002,p.21)

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